El estreno de “La Pasión según Nuestro señor Jesucristo” de Manuel Millán

El estreno de “La Pasión según Nuestro señor Jesucristo” de Manuel Millán

El pasado sábado, 4 de marzo, se estrenó en el Teatro Auditorio de Cuenca el Oratorio compuesto por Manuel Millán basado en el Evangelio Apócrifo de Pedro.

La orquesta Ciudad de Cuenca, la Escolanía y el Coro Ciudad de Cuenca han sido los encargados de interpretar sobre el escenario “La Pasión según Nuestro señor Jesucristo” en el Teatro Auditorio de Cuenca. El pasado 4 de marzo se estrenó la obra bajo la dirección de Ignacio Yepes, y el barítono Carlos Lozano fue el responsable de poner voz al Evangelista en una interpretación intensa y llena de matices musicales.

El texto del Evangelio de Pedro data del siglo II y fue hallado en el Alto Egipto en el sepulcro de un monje cristiano en la antigua Panópolis. Además, está escrito en primera persona y el propio apóstol se identifica en uno de los versículos como Simón Pedro. Esta ha sido la base sobre la que se ha inspirado el compositor conquense Manuel Millán para realizar la partitura que se estrenó ayer sobre el escenario conquense, ante un público que prácticamente llenaba el patio de butacas y la platea central. Al estreno acudió el propio compositor y muchas caras conocidas de la música conquense que no quisieron perderse este verdadero acontecimiento musical.

La obra fue interpretada por una orquesta de cámara que contaba con la participación de un acordeón, pues en palabras del propio compositor “el acordeón es el nexo entre el órgano positivo barroco y la contemporaneidad. Los colores sonoros tienen como intención ayudar a visibilizar todavía más el argumento”. Desde el primer momento la intensidad de la partitura interpretada con textos en castellano, que estaban incluidos en el programa de mano, contribuyeron a que los espectadores pudieran sentir con toda intensidad el dramatismo de los acontecimientos narrados. Una partitura que alternaba momentos más clásicos con otros muchos más innovadores y juntos transmitieron al público de una manera casi visual el juicio, crucifixión y resurrección de Jesús narrados por el propio Evangelista.

La obra tuvo una duración de una hora y concluyó con un unánime aplauso, con momentos especialmente brillantes como la del coro interpretando la Turba camino del Calvario, el espectacular silencio tras la muerte de El Salvador, la interpretación de alguno de los textos de los poetas del Siglo de Oro o los solos de algunos de los intérpretes. Asimismo, fue especialmente apreciada por el público la interpretación del percusionista de la Orquesta Ciudad de Cuenca, de la niña Ainara Muñiz Lara y del tenor Carlos Alcocer en una breve, pero muy celebrada, intervención como Jesús. El director de la Orquesta, Ignacio Yepes, fue también muy aplaudido y finalizó su intervención invitando al escenario al compositor Manuel Millán, el cual emocionado salió varias veces a saludar ante las solicitudes del público asistente.

Fotografías de Sergio Rubio para #makinguclm // Puedes ver más contenido de este concierto en este enlace.

 

 

Grabación del Curso “Enseñanza en la metodología comprensiva de los deportes: Formación de Entrenadores Deportivos”

Grabación del Curso “Enseñanza en la metodología comprensiva de los deportes: Formación de Entrenadores Deportivos”

El Curso “Enseñanza en la metodología comprensiva de los deportes: Formación de Entrenadores Deportivos” fue realizado en la Facultad de Educación de Cuenca (UCLM) con la colaboración de la U.B. Conquense y el Club de Balonmano Ciudad Encantada entre los días 16 de octubre y 2 de noviembre de 2017.

Introducción y desarrollo sobre la aplicación de la táctica según la estructura de la sesión del modelo comprensivo, Carlos Evangelio Introducción y desarrollo sobre la aplicación de la táctica según la estructura de la sesión del modelo comprensivo. D. Carlos Evangelio.

Conclusiones al curso Enseñanza en la metodología comprensiva de los deportes. Conclusión y evaluación del curso: Mesa redonda con los participantes del curso.

Diferencias entre enfoque horizontal y vertical, Eva Guijarro. Diferencias entre enfoque horizontal y vertical (2º con orientación al fútbol) y progresión en su aplicación en función de la edad y la experiencia de los jugadores. Dña. Eva Guijarro.

Introducción y desarrollo de los juegos modificados y small side games, Irene Rocamora Introducción y desarrollo de los juegos modificados y small side games. Variables que podemos modificar en función del principio a cumplir. Dña. Irene Rocamora.

Evolución física y cognitiva de los jugadores en función de la categoría, Jorge Marinho Evolución física y cognitiva de los jugadores en función de la categoría (etapas madurativas, zona de desarrollo próximo y periodos sensibles del aprendizaje). D. Jorge Marinho.

Influencia de la edad relativa en las condiciones de los jugadores, Jorge Marinho Influencia de la edad relativa en las condiciones de los jugadores (revisión de Jacob) y metodologías apropiadas para tratar de compensar dichas diferencias (enseñanza entre iguales, cooperativo, por roles…). D. Jorge Marinho.

Introducción a la enseñanza en la metodología comprensiva de los deportes. Por Sixto González Villora.

Créditos de la grabación:

Recordamos Disfrutando 2017 y comenzamos con Disfrutando 2018

Recordamos Disfrutando 2017 y comenzamos con Disfrutando 2018

Comenzamos a andar el caminó de lo que será Disfrutando Cuenca 2018. Un evento ciudadano en el que queremos reunir la mañana del día de la Madre a cuántos colectivos, asociaciones, agrupaciones o gentes quieran unirse a nosotros para disfrutar de esa mañana de domingo.

En este vídeo os queremos contar lo que fue la edición del año pasado de Disfrutando Cuenca y os invitamos a participar en esta nueva edición. Si quieres formar parte de esta aventura pincha en ESTE ENLACE, completa los datos y nos pondremos en contacto. En Disfrutando Cuenca todo el mundo tiene su espacio.

Un vídeo de Alex Basha para #makinguclm

 

Títeres en la Facultad de Educación: ¡Lee, (Re) Crea… Siente el Arte!

Títeres en la Facultad de Educación: ¡Lee, (Re) Crea… Siente el Arte!

La mañana del 20 de diciembre a partir de las 11,30 se presentaron los trabajos de los alumnos de 4 º de la Mención Lenguajes Creativos para la Educación Infantil, en el Aula de Música.

El Proyecto conjunto ¡Lee, (Re) Crea… Siente el Arte! , en su cuarta edición, estuvo compuesto por tres obras dramáticas representadas por títeres de guante, muppet y sombras chinescas.

¡Lee, (Re) Crea… Siente el Arte!: El molino encantado

Una obra creada e interpretada por María José Máñez, Marina Valle, Silvia Mariana, Beatriz Langreo y Pablo Gallardo

¡Lee, (Re) Crea… Siente el Arte!: Un (b)arco, dos (b)arcos, tres (b)arcos

Una obra creada e interpretada por Azahara Haba, Carmen Espert, Eva Hurtado y

Irina Sanjerónimo.

¡Lee, (Re) Crea… Siente el Arte!: Los colores del no

Una obra creada e intepretada por Eva Morales, Lucía García, Rubén García y Blanca Cardo

Ficha técnica de la Grabación:

Lidia Peralta. África tiene nombre de mujeres

Lidia Peralta. África tiene nombre de mujeres

África solo existe cuando se la mira desde lejos. Cuando se la otea desde la lejanía de la Torre de la Vela. Después desaparece o se multiplica. Nadie sale ileso. El viajero es condenado a recorrer las mil y una rutas que cada vez te llevan a una África distinta.

Viajeros eternos que la recorren tratando de hacernos entender este mundo donde caben muchos mundos. Pedro Páez, Stanley, Burton, Livingstone, Mary Kingsley, Kapuściński o Javier Reverte. Una estirpe de vagabundos en África.

La documentalista, periodista y caminante Lidia Peralta es también uno de ellos. Se puso las botas con alas para contarnos en sus documentales historias de gentes de Dakar, Tombuctú, Sudán o Khartoum. En estos días expone en la sala Ricardo Ortega de la Facultad de Periodismo de Cuenca algunas de las fotografías de las mujeres que encontró durante sus vagabundeos por África. “Mujeres (que) machacan la mandioca, asan a la brasa bulbos de taro, cocinan algún plato, comercian con chicles, galletas y aspirinas, lavan y secan la ropa. Y todo ello a la vista de todos, como si rigiese una orden que obliga a los habitantes a abandonar sus casas a las ocho de la mañana y a permanecer en la calle.” (Ébano, 1998). Mujeres con nombres en África. Hechos cotidianos que cruzan los límites de los clichés que tenemos de África. Sin truculencia y sin paternalismos. Sin exotismos innecesarios. Gentes normales. Mujeres de África de las que Lidia conoce los nombres.

¿Cómo nace la exposición “África tiene nombre de mujer”?

La exposición no es un trabajo independiente de haber ido una sola vez a visitar varios países africanos, sino más bien es numerosas ocasiones en las que he estado allí. Es fruto de una atracción por África desde que era pequeña. Recuerdo decir a mi madre en el salón de mi casa que quería ir a África. Considero que se debe a la serie ‘Raíces’. Me marcaron mucho esos personajes, esas narrativas de la esclavitud. Después de varios años, terminé estudiando la serie y a día de hoy la critico porque no atiende a realidades históricas. Pero lo cierto, es que siendo niña me impresionó muchísimo. De modo que en cuanto tuve oportunidad de moverme y comencé a viajar, África era como mi destino preferido. Más tarde llegaron comentarios típicos como: ‘¿África? ¿Por qué África? ¿Qué se te ha perdido allí?’. Pero cuando llegar a África y realizas viajes por la zona, te das cuenta de que tus experiencias son radicalmente distintas a ese tipo de prejuicios que llevas a cuestas. Vuelves cargada de nuevas impresiones, de aprendizaje de diferentes culturas, filosofías y modos de ver la vida, maneras de enfocar las cosas… Todo ello te hace salir de tu zona de confort y de pensar que Europa es el ombligo del mundo. La exposición no obedece a una intención de voy a hacer una exposición de mujeres, sino que es un cúmulo de experiencias, de viajes, de países y de años. Hace ya veinticinco años que viajo por el continente africano.

Hay gente que va a África diez días con todo programado, y a la vuelta parece conocer ya todo el continente.

Me dan muchísima rabia ese tipo de cosas. Además, he constatado que los propios turistas cuando vuelven de los viajes se convierten así mismos en los propios héroes, contando sus experiencias y hablando de los robos, de las enfermedades, del miedo, del peligro… ¿Para qué hacen eso? Para generar una heroicidad propia del viaje, cuando yo lo que reivindico es lo contrario. Reivindico la normalidad en la vida diaria de estas personas. Después de haber realizado tantos viajes a África con lo que te quedas es con eso, con situaciones cotidianas que son universales, que las encuentras en cualquier parte del mundo. Todas las personas desean lo mismo: su felicidad, la de sus hijos, que sean buenas personas, la salud… Por ello con esta obra intento romper estereotipos y reivindicar la normalidad.  

A veces parece que sólo interesa África como naturaleza salvaje y cómo territorio en guerra.

No hay que caer en la polarización. África es un continente de cincuenta y cinco países con mil millones de habitantes (en España somos tan solo cuarenta y cinco millones). En un volumen tan inmenso de países y millones de habitantes, esto representa un hecho muy minoritario en el devenir cotidiano de las personas. Al final todo se acaba desvirtuando cuanto más lejos se esté de lo local. Los titulares de África son y siguen estando muy polarizados. Me alegra que haya medios, como en RNE ‘África hoy’, el Blog de Lola Huete ‘África no es un continente’ o Festivales de Cine como el ‘Festival de Cine africano de Tarifa’, que estén contribuyendo a generar otra imagen más positiva y normalizada. Pero África hasta ahora ha sido guerra, hambrunas, corrupción, el titular al fin y al cabo. Nuestra responsabilidad como comunicadores es alejarnos de los titulares para rescatar la normalidad. Hablamos del mayor genocidio del mundo y pensamos en los nazis, pero allí hubo cuatrocientos millones de esclavos comercializados. Lo que se ha hecho con África es un auténtico homicidio a todos los niveles.

¿Cuál de todas las facetas que ofrece África consideras que es la que más te apasiona, la que más influencia a tu fotografía?

Voy a ahondar en el pasado y me voy a centrar en un documental que hice sobre los manuscritos andalusíes, llamado ‘La caravana de los manuscritos andalusíes’. El protagonista principal es Ismael, propietario de la biblioteca andalusí de Tombuctú y el documental relata la ruta desde Toledo hasta Tombuctú y va buscando los manuscritos que se produjeron en la Hispania islámica. Ese documental me abrió toda la visión que hoy en día tengo del continente africano, porque me hizo comprender que en los siglos XII y XIII, cuando París y Londres eran auténticas podredumbres, en Mali estaba la universidad más prestigiosa de África. Cada familia tenía manuscritos en sus casas y había una cultura extraordinaria. Me dio muchísimo que pensar sobre qué representa África y por qué no ha podido llegar más a nuestra vista. A raíz de esta ruptura con los estereotipos a través del documental, empecé a ver a mujeres taxista, médico, bombero, modelo. Esa parte de África me atraer muchísimo. Además, es un continente que te desborda con tantas culturas diferentes. Luego regresas a Europa y observas que todos somos muy iguales entre sí. Para mí África es belleza, es todo lo que veo cada vez que la piso.

Hablando de belleza, Mali, por ejemplo, es el país musicalmente hablando, más rico del mundo. ¿Cuál es el papel de la mujer en este ámbito?

Es cierto, pero no me decantaría a decir que lo que más caracteriza a Mali es su música. África siempre se ha expresado con música y creo que la riqueza musical pertenece a cualquier esquina de su continente. África es música. La mujer africana que acaba en el mundo de la música, sobre todo la música tradicional, no solo tiene un rol musical de cara a la sociedad, es más que eso. Son iconos de religiosidad, son herederas de las personas que siempre estaban al lado de la nobleza y que iban contando lo que iba pasando en las cortes africanas. El equivalente en la actualidad serían las trovadoras, mujeres con una gran capacidad expresiva y creativa que improvisan letras.

¿Cómo es acercarse a ellos para conocer su cotidianidad desde dentro al ser una persona de Occidente?

No, a ese nivel no. Considero que el recelo de África hacia Occidente opera hacia otros niveles más institucionales, corporativos, más de discurso oficial. Las culturas árabes son famosas y son conocidas por su hospitalidad, por su gran acogida a aquel que lo necesita. Nosotros hoy en día no somos así, no acogemos a nadie ni le damos un plato de comida sin conocerlos. La verdad que yo nunca he tenido ningún problema para conectar con personas de otras culturas. Todo lo que he encontrado ha sido intercambio, enriquecimiento cultural y alegría. Mucha gente se pregunta cómo pueden ser tan felices con lo pobres que son y es ese el primer aprendizaje que te traes de allí.

¿Cuál es tu visión acerca frente a tradiciones como la ablación?

Lo veo muy mal. Yo misma he atravesado bastantes crisis de carácter personal con cómo yo me posicionaba con temas de género y feminismo. Existía ese debate interno de si hemos de dejar a las sociedades que vivan a su libre albedrío o hay temas por los que no se puede hacer la vista gorda. Para mí, nada es lícito, ni legal. Es una auténtica humillación para la mujer y es intolerante. Desposeer a la mujer de una fuente de placer tan vital como es la que recibe a través del sexo, ¿qué mayor humillación puede haber? Estoy radicalmente en contra a todos los niveles, tanto humano, como sanitario. NO en mayúsculas, sin ningún tipo de contemplación. Pero esta realidad patriarcal machista la tenemos en Europa también, por lejano que nos parezca. No nos hemos desecho del hecho de diferenciar a hombres de mujeres, porque durante siglos y siglos el hombre ha estado en el centro de la sociedad y todo ha girado en torno a él. ¿Cómo los hombres van a querer deshacerse de esos privilegios? Pero no deja de ser una injusticia.

Has comentado que fue un poco espontáneo hacer este tipo de fotografías exaltando la figura de la mujer, pero, ¿en tus viajes e investigaciones te has topado con mujeres que luchan por ser reconocidas en la sociedad?

Tengo un documental que te responderá muy bien a la pregunta, titulado ‘Alas sobre Jartum’. Es la historia de cuatro hermanas sudanesas que, por la situación de inestabilidad política que ha vivido Sudán en las últimas décadas entre norte y sur, tuvieron que separarse. Una de ellas se fue a vivir a Estados Unidos, dos a España y otra a Sudán. Cada una de ellas es una familia de artista y un documental en sí. La que vive en Sudán es profesora universitaria y desde allí lucha cada día para que valoren el papel de la mujer dentro de una sociedad que se ha calificado a sí misma como islamista. La cantante no pudo soportar la presión que su familia le ejercía para ponerse el velo y tuvo que marcharse. La actriz que vive en Estados Unidos hizo una obra de teatro que criticaba al gobierno, la amenazaron y tuvo que huir del país. La otra hermana ha hecho una tesis doctoral en Granada y en la actualidad vive en Cuba trabajando en una embajada. Estas mujeres son un monumento. Cada una de ellas, desde el sitio que haya sido, han sido mujeres luchadoras, empezando por enfrentarse con sus propias familias.

¿Qué te gustaría que se llevasen puesto en la mochila quiénes visitasen la exposición?

La inspiración, las ganas y el deseo de conocer África. Dar ese primer paso de ¿qué hago yo allí? o por qué ese destino. Es muy bonito poder inspirar a las jóvenes generaciones para que apuesten por un camino, por una especialización. Puede ser África, Asia, o cualquier otro lugar, pero con los años empiezas a recoger frutos y eres consciente del trabajo realizado. Que esas fotografías puedan inspirar a alguien a elegir su camino sería algo maravilloso. Ya sabes lo que dicen, una imagen vale más que mil palabras.

Nos despedimos de Lidia Peralta deseando que nos cuente más historias de África con sus documentales, con sus fotografías o con sus palabras. Así, nos quedamos pensando en aquello que dijo el Gato de Cheshire de lo especial de aquellas personas que encuentran el camino. Volvemos de nuevo a mirar a esas mujeres retratadas en la exposición “África tiene nombre de mujer” sabiendo que Lidia conoce sus nombres.

 

Esta entrevista es el resultado del encuentro con Lidia Peralta que se realizó en el Lab de MakingUCLM con motivo de la inauguración de la exposición “Africa tiene nombre de mujer” que puede visitarse durante el primer cuatrimestre de 2018 en la sala Ricardo Ortega de la Facultad de Periodismo de Cuenca. En él participaron los estudiantes de periodismo David Alexander V.Lola Izquierdo SuayDiana Villamizar RevolloMaría Natalia Palma IbáñezLaura Leiva VargasKathleen Pérez Flores y Josean Montero. La entrevista está redactada por Jennifer Bernal y Josean Montero. Las fotografías son de Ángel Alarcón Marchante y Laura Higueras

Lidia Peralta

Lidia Peralta es directora de numerosos documentales que nos cuentan historias de África. Entre ellos ‘La Caravana del manuscrito andalusí’ (2007) en el que se narra la historia de Ismael y el viaje de algunos de los libros que se realizaron en Al-Andalus y que fueron sacados de la Península para evitar destrucción.

Entre sus últimos trabajos encontramos el documental “Una casa para Bernarda Alba” (2011). La maravillosa historia de ocho mujeres gitanas que preparan la obra de teatro de García Lorca mientras nos acerca a la realidad de los barrios chabolistas sevillanos. Este documental obtuvo el Festival internacional de documentales “Santiago Álvarez in Memoriam” (Cuba, 2011) y el Premio Andalucía de Periodismo (2013) en el apartado de televisión.

Una casa para Bernarda Alba, de Lidia Peralta (2011)

La Caravana de los Manuscritos de Al-Ándalus, de Lidia Peralta (2007)

Ruptura de cadenas: meeting point con Lucas Graciano del Pozo

Ruptura de cadenas: meeting point con Lucas Graciano del Pozo

Una vez más, el Making se convierte en un hogar para los artistas emergentes y se tiñe de claroscuros durante la visita de Lucas Graciano del Pozo, escritor “desde las entrañas” que trajo consigo su nuevo poemario Lobotomía de un demonio, con la intención de extraer de nosotros, durante el meeting point, esas astillas y cristales rotos que guardamos en nuestro subconsciente bajo nuestro yo más profundo, ese yo que nos hace pensar y querer revelarnos contra todo.

La sala acogía en círculo a Lucas, nervioso ante el público, toqueteando sus cadenas de plástico y su chupa de cuero, pero con chispas de ilusión en su constante sube y baja de rodillas y su sonrisa de lóbulo a lóbulo. Antes de lanzarme de cabeza a las vísceras de su libro y dar paso a las intervenciones, comencé por preguntarle el porqué de su afición por la escritura, de dónde viene y a donde se dirige su camino.

Su pasión, según el poeta, viene de esa “necesidad de contar algo”. Lucas, cuando comenzó el Máster en Educación, después de haber finalizado Bellas Artes, cayó en la cuenta de que, durante aquél año, aprendió a jugar más con las palabras y a componer sus cuadros mentales mediante retahílas de versos. Para él, este proceso de creación, era como “ir formando ese cuadro que tiene varios elementos y vas cogiendo de aquí y de allí, y un día dije, venga, pues voy a pintar pero con las palabras”.

La literatura, como lleva haciendo desde hace siglos, pretende despertar en nosotros un impulso mental que nos mueva a pensar y a romper y crear nuevos esquemas. El escrutinio cerebral del personaje de este libro, pretende abrirnos la conciencia a una sociedad dormida dentro de una pasividad mortal, una sociedad que ya no se levanta a reivindicar sus derechos con el acero de su voz. “Quiero que la sociedad se inquiete y diga, valiente gilipollas, qué me estas contando. Aunque despierten odio o asco hacia lo que yo escribo, al menos sé que no les resulta indiferente y ya están pensando”.

Conforme avanza el hilo de la conversación bajo las lentes de las cámaras, redirijo mis preguntas hacia la sinopsis de su libro y el significado que esconde tras esa frase de “un desafío personal por que impere esa parte racional sometida por los instintos primarios”. Lucas, con ella, pretende hacernos recordar ese momento de soledad en el que nos visitan esos fantasmas que todos guardamos bajo la cama, aquellos que nos arrastran a nuestro lado más pasional, a ese lado violento y primario que no responde a ninguna norma, ya que al fin y al cabo, todos poseemos un lado animal con ganas de salir al ruedo, significado que fusiona con las imágenes de los minotauros que gobiernan la portada del libro.

Llegados el autor que recita y explica el significado de uno de sus poemas, Proyecto Educativo. Bajo los versos, Lucas, expone su visión sobre la educación a todos los niveles, desde la botella y la calle, hasta la casa y los padres. Esta perspectiva, aborda la dejadez de algunos padres en la educación de sus hijos, y la influencia que pueden tener la figura, tanto paterna como materna, en el desarrollo de la personalidad. “Este país es el reflejo inconfundible, de una educación que fluctúa entre irse de putas los sábados y a misa los domingos”. A veces, si los padres dejan completamente a sus hijos al libre albedrío de la vida, y no mantienen un contacto cercano, la televisión y el barrio, aquellas que no están al alcance de la vista protectora de los progenitores, pueden llegar a absorber hasta la última gota de la forma de ser de personajes poco recomendables, sin posibilidad de vuelta atrás.

De nuevo, justo detrás de una pequeña muralla de sillas, una mano se alza con una pregunta en la palma, y, como si fuese una flecha, la cuestión fue directa a los intereses más profundos del poeta, ¿cómo le había influido su lucha interna para escribir y que pretendía extraer de las personas con su libro? “Aunque el libro parezca así oscuro siniestro y tétrico, que lo es, no es un libro pesimista, porque el pesimismo son las personas que realmente no quieren luchar por cambiar la situación, pero el personaje, no se sabe cómo, suena la campana y se levanta. Es la actitud de guerrero que le dice ‘por mucho que me machaquen yo voy a levantarme, pero no a levantarme de la forma súper positiva, sino por simplemente seguir vivo’. Y con este pack de frases, como si fuesen hachas, Lucas corta en pedazos la visión habitual que suele tenerse sobre el pesimismo, porque el pesimista no es aquel que llora un día gris, o se enfada y maldice al mundo porque justo ha cogido el coche y ha pillado un atasco en la autovía, sino aquel con las herramientas suficientes para entrar en batalla y luchar por lo que quiere, pero, vencido por la pereza y el miedo a perder, prefiere quedarse sentado viendo la vida pasar.

Los minutos se escapan sin posibilidad de atraparlos y alcanzamos los 30 minutos de entrevista colectiva y mis ganas de seguir analizando el doble fondo del poemario no quedan saciadas, realizo un salto y me coloco sobre mi siguiente objetivo, el prólogo y la historia sobre una bestia que les promete el cielo y la fama a cuatro alumnos de Bellas Artes. La bestia, o mejor dicho, cucaracha, vacía los bolsillos de los cuatro estudiantes y muere violentamente, masacre digna de un buen Thriller, un cadáver colgado con sus propias entrañas girando en un ventilador. A primera vista, puede parecer un simple adorno truculento y llamativo para captar la atención de los lectores más morbosos, pero, debajo de la sangre y el alcohol, se encuentra escondida la vida de Lucas y la de muchos artistas:

“Tú tienes un recorrido desde que entras en la facultad en el que te aseguran un puesto de trabajo fantástico, y luego te das cuenta de que no es así, de que acabas con el culo al aire, y es cuando tienes que afrontar la realidad, que toda esta gente te ha estado engañando, que te tienes que esforzar mucho, de que tienes que apostar por ti. Nadie te va a dar la receta del éxito, hay que pasarlo muy mal para pagar un mes de alquiler, te lo digo porque tengo un compañero de piso que acaba de vender un cuadro y, con ese dinero, tiene que pagarse el implante de una muela que le cuesta como el dinero de tres cuadros suyos”.

A partir del implante de una muela, conectamos con la oficina del INEM, a partir de un asesino, conectamos con otro. Continuamos con otro poema con truco de Lucas, Estado de sitio, donde la cucaracha que habíamos visto en el prólogo, se metamorfosea en un asesino cruel y sin piedad. En cada verso puede olerse la sangre coagulada de los pedazos de carne humana que gobiernan el hogar del psicópata, miembros de “frikis del diseño 3D” y cualquier tipo de persona que puedas llegar a imaginarte. Cuando llegas al final, cuando piensas que el poema no podía invadir todavía más tu mente, el verso se cierra de par en par con un “diríjase a la oficina del INEM más próxima”.

La muela del compañero, la visión del poeta, liga de una manera u otra con toda esta escena desagradable, ya que la miseria y la destrucción que impregna con viscosidad la violenta habitación, representa algo tan mundano como una oficina del INEM por la mañana. ¿Alguna vez os habéis fijado en las largas colas de caras apagadas y ojeras interminables que se forman en el INEM?, esos laberintos de Creta interminables donde ciudadanos de todas las nacionalidades buscan una oportunidad después de fichar, pero se vuelven con el alma por los pies cuando tan solo reciben un “ya te llamaremos” y al final, 1 de cada 10, recibe esa llamada desde un cielo inventado dentro de una oficina. “Ese desánimo, esa destrucción, es incluso peor que la del personaje”, sentenció Lucas, un segundo cierre a este análisis de su texto, un cierre que te hace pensar en la realidad del mundo en el que vivimos.

Ya resopla a lo lejos el final de este encuentro, y construimos un cierre a partir de una última reflexión sobre los últimos dos poemas, Caín y Abel y Mollie, donde aparece la figura de “el hermano”, y que mejor opción para finalizar este artículo que la respuesta textual del protagonista de la velada, una respuesta que, al igual que su libro, te guste o no, no te dejará indiferente.

“Esos son los poemas más duros en el sentido de que es buscar lo más profundo, y cuando buscas en lo más profundo, ves reflejado una persona, que esa persona eres tú pero no eres tú, porque es lo más destructivo que hay en ti, entonces yo hacía esa similitud, esa dualidad con el personaje, que se parte en un hermano, en el que los dos son hijos de un dios y son ángeles caídos, y uno de ellos se da cuenta de que no quiere pasar el calvario de ser un salvador por una sociedad tan miserable que no mueve un dedo por su propia existencia, entonces el salvador y el destructor se hacen uno, solo que uno destruye de manera directa y el otro actúa más por la espalda, de una manera más ruin y traicionera”.

“Es una movida tener 31 años, intentar miles de formas para poder dedicarme a algo que realmente me apasione, y algo que me llene porque no serviría para estar en una fábrica cargando sacos y ser un eslabón más de la cadena, pero es jodido porque se termina, apuesta todo, dejas el trabajo que tienes, vienes aquí a Cuenca, un lugar ajeno con la esperanza de terminar y hacer algo que realmente te llene pero pasan cuatro años que es la carrera y no hay nada, pruebas mil cosas y ahí estas, sin nada. Pero todo esto me sirvió para darme cuenta de que se puede crear con las palabras, de que toda mi vida sirve para algo, y esa fuerza es la que saco para seguir pal ante porque la única forma es seguir y luchar, apostarlo todo.”

Aquí llega, a partir de este párrafo textual del autor, una reflexión sobre la esencia de su obra. Esta cita, resume gran parte de las páginas de Lobotomía de un Demonio. Lucas, es una de esas personas que, con solo leerle, sabes que a sus 31 años, no se ha rendido aun estando en la nada. No solo nos construyen los buenos momentos, también los malos, los días con lágrimas saladas en los que nos regodeamos con la almohada.

Lucas supo desde el momento número uno que su libro también despertaría asco y tal vez odio hacia su persona, pero es el precio que hay que pagar por luchar contra el edulcoramiento que hoy en día nos invade para mantenernos quietos e impasibles ante las injusticias de nuestro alrededor. Todo lo que he destacado en este artículo, aunque puedan parecer temas independientes, se encuentran conectados uno con otro, creando temas que se encuentran en nuestra realidad. En este meeting point hemos visto esas esquinas oscuras del ser humano y de la sociedad que el positivismo hiperazucarado intenta taparnos para no aprender y despertar.

Lucas sufre por vivir fuera del círculo de confort en el que muchos vivimos, y este poemario, es una llamada de atención desesperada a la sociedad, un mensaje que no te dejará indiferente como he dicho repetidas veces a lo largo de estos párrafos. Todavía permanecemos equivocados en miles de cosas que dábamos por sabidas, como en nuestra concepción del positivismo. El positivismo no es sonreír a diario ni conseguir todas tus metas, el positivismo, como dice Lucas, es levantarse con el rostro triste y roto solo por “joder” al colectivo que te pisaba con fuerza para aplastarte. La sociedad todavía permanece dormida y sin ganas de mover un dedo por cambiar y lavarse las capas de protección ante el dolor de la pura realidad, la realidad de que ya comienzan a aparecer ángeles caídos que se cansan de pelear por un mundo que no actúa hasta que se ve en lo más profundo, que duerme en paz siendo uno más que obedece a cualquier convención, o que se conforma con parecer un rebelde sin causa sin salir a luchar a la calle. Vivimos en un mundo en el que damos una cara en la misa de los domingos y otra en los prostíbulos, en el que ya nos cansa incluso dar buen ejemplo y sentarnos a escuchar y a comprender al de al lado.

Nos estamos sumergiendo en una burbuja de pereza y anestesia que nos da el capitalismo con manzanas envenenadas y brillantes, como los móviles, las sonrisas estudiadas o la idea de vida perfecta para que no podamos ver que en la oficina del INEM, hay una persona que vuelve a casa con las manos vacías. Esa persona ya se dio cuenta de que nadie te regala la receta del éxito y que los mensajes de las tazas de “todo lo consigues, solo imagínalo” y los libros a un euro de autoayuda de coachings personales, no son suficientes si no renaces del dolor.

No hay subida sin bajada ni paz sin lucha. No hay buena reflexión sin este poemario escrito desde las entrañas.

Un texto de Aroa Ruiz Ruiz con fotografías de Nereida Dusten para #MakingUCLM

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Grabación concierto Soledad de San Agustín

Grabación concierto Soledad de San Agustín

El pasado 3 de febrero de 2018 en la Iglesia de El Salvador de Cuenca se celebró el concierto de la Banda de Música “La Juvenil Filarmónica” de Villamayor de Santiago, organizado por la Venerable Hermandad de Nuestra Señora de la Soledad (vulgo de San Agustín) con motivo del nombramiento de dicha banda como Hermana Predilecta de la Hermandad.

Durante este concierto se estrenará la marcha Madre del Salvador, compuesta por José Luis Torijano Nueda, dedicada a esta Hermandad y que se tocará por primera vez en procesión este año a la entrada de Nuestra Señora de la Soledad a la Plaza Mayor durante la procesión Camino del Calvario.

En próximas fechas se podrá ver la grabación de audio y vídeo de este concierto en este enlace (pulsa aquí)

Concierto Madre Del Salvador

Banda “La Juvenil Filarmónica”, de Villamayor de Santiago

Director: Juan de Dios Palacios Torremocha

  • La Soledad de S. Agustín, de Julián Aguirre Belmar y Juan Martínez Salamanca
  • Al capataz, de José Luis Torijano Nueda
  • Tu silenciosa mirada, de Juan Carlos Aguilar (dirige el propio Juan Carlos Aguilar, director de la Banda de Música de Cuenca)
  • Alma Nazarena, de José Luis Torijano Nueda (dirige el propio José Luis Torijano)
  • Soledad de la Madrugada, de Fernando Ugeda (dirige el propio Fernando Ugeda, director Banda de Música de Las Mesas)
  • Madre del Salvador, de José Luis Torijano Nueda (dirige el propio José Luis Torijano)
  • Encarnación Coronada, de Abel Moreno (bis)

 

Proyecto:

El equipo de MakingUCLM realizó la grabación sonora y de vídeo de dicho concierto. Durante ese día el equipo estuvo formado por:

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José Antonio Sarmiento: “El Cabaret Voltaire era un sitio minúsculo que cambió la historia del arte”

José Antonio Sarmiento: “El Cabaret Voltaire era un sitio minúsculo que cambió la historia del arte”

José Antonio Sarmiento (Las Palmas, 1952) es uno de los nombres fundamentales del Arte Sonoro. En 2017 se han cumplido cuarenta años de su primera exposición en las calles de París que tituló “Destruction”, ha obtenido el Premio Nacional como mejor monografía en Arte y Humanidades de Edición Universitaria por su obra Cabaret Voltaire (UCLM, 2016) y ha sido uno de los autores de referencia en las dos exposiciones que este año han tenido por tema el Arte Sonoro,  “Espacio Sonido. Silencios” en el Patio Herreriano de Valladolid y “Arte sonoro en España (1961-2016)” de la Fundación Juan March.

Siempre hay una excusa para entrevistar a José Antonio Sarmiento. Poliédrico y múltiple. Artista, profesor, crítico, comisario, editor y buscador de obras artísticas olvidadas. Director del Centro de Creación Experimental, co-creador de ((RAS))  y director de la revista Sin Título, en 2015 editó en castellano la obra “Para la voz”, del poeta ruso Vladimir Maiakoski y el pintor El Lissitski que se publicó por primera vez en Berlín de 1923. En 2016 publicó “178 dardos dadá”, una recopilación de frases y aforismos envenenados siguiendo la línea de una tradición por la que circularon Juvenal o Quevedo. Como decía la poeta Emmy Hennings, parece querer “vivir todas las vidas”.

En la última planta de la Facultad de Bellas Artes de Cuenca, en la buhardilla, se encuentra la puerta del aula 207. Es una puerta pequeña en un pasillo pequeño y oscuro. El aula tiene las paredes de cemento, techos altos y un inmenso tragaluz. Desde ahí se accede a la mítica cabina de Radio Fontana Mix y a una sala minúscula de cinco metros cuadrados (Sala 5) donde el curso pasado se presentaron unos “Etcéteras” de Juan Hidalgo.

Sarmiento se sienta a un lado de la mesa del profesor que llena de revistas y afiches antiguos: “Estamos hablando de movimientos artísticos. A veces surgen agentes e ideas en momentos determinados”. En esta ocasión hablamos de su obra Cabaret Voltaire, una obra donde se reúnen cartas, poemas, diaros, entrevistas, partituras o fragmentos dramáticos que reconstruyen aquellos maravillos cinco meses en Zurich que marcaron uno de los momentos clave del arte del siglo XX.

“Señoras y señores el Cabaret Voltaire no es un club cualquiera. No nos hemos reunido aquí para mirar frufús y piernas ni para escuchar cancioncillas populares. El Cabaret Voltaire es un lugar de cultura.” Hugo Ball

Cabaret Voltaire no es una obra que salga de la nada. Se incrusta perfectamente en la trayectoria de Sarmiento, que aunque integrado en la academia universitaria, nunca ha perdido su radicalidad artística y sigue sintiéndose cómodo en lo heterodoxo. Esta obra es un esfuerzo más para que los medios colectivos sigan haciéndose eco de las tendencias menos ortodoxas del arte contemporáneo.

José Antonio Sarmiento publicó en 1991 Críticas a un concierto zaj. Zaj, nos cuenta, “fue un grupo de vanguardia que se creó en España en los años 60 al estilo del grupo Fluxus. Era algo sorprendente en un país en el que todavía existía una dictadura como la franquista, pero en la que a pesar de todo había una vanguardia. El grupo utilizaba la palabra zaj para burlar la censura. Era una sucesión de happenings que tuvo mucho eco porque se hizo en un teatro público y fue suspendido. Fueron muchos los periodistas que acudieron al espectáculo y que relataron en sus crónicas lo que vieron. Yo me limité a recoger los artículos de prensa y a publicarlos tal cual para que el lector pudiera hacerse una idea de lo que ocurrió allí”.

“Ni alegre, ni triste, el poeta ultramodernista Tristan Tzara recitaba su canción”. Julio Álvarez del Vayo.

En 2013, publicó el libro Las veladas ultraístas sobre este movimiento vanguardista “que se crea en España en 1919, mezcla de futurismo y dadá. En Sevilla y Madrid se hicieron tres espectáculos públicos y pasó lo mismo. En esta ocasión, casi novelo lo que ocurrío allí y añadí un largo anexo donde aparece la información que salió en la prensa. Estas publicaciones me llevaron al Cabaret Voltaire.”

De las acciones del movimiento zaj (1966), de ahí a las Veladas Ultraístas (1919) y, para completar la trilogía, el Cabaret Voltaire (1916). La historia de sólo cinco meses que marcaron la historia del arte del siglo XX. “A veces es bueno que las cosas duren poco, porque si alargas, ya es repetir y repetir. Cinco meses son suficientes y potentes. Se hicieron cosas con mucha fuerza y que realmente sorprendían al público.

Acaban de cumplirse cien años del Cabaret Voltaire y del nacimiento del Dadá, un movimiento fundamental en el arte contemporáneo.

Estamos hablando de uno de los grandes movimientos artísticos del siglo XX, es el que rompe, el que inicia. Es fundamental en la historia del arte. En su centenario, pensaba que habría un francés o un alemán que haría un estudio detallado del Cabaret Voltaire. Y no lo ha hecho nadie.

¿Cómo nace Cabaret Voltaire?

Hugo Ball y Emmy Hennings llegaron a Zurich huyendo de la Alemania de la Primera Guerra Mundial. Allí había intelectuales franceses y alemanes que a pesar de que eran enemigos en la guerra, allí eran amigos. Se saludaban en la calle y a unos cuantos kilómetros sus compatriotas se mataban en los campos de batalla. Hugo Ball estuvo trabajando en una compañía de cabaret donde Emmy cantaba canciones populares de la época y él tocaba el piano. Quiso salir de ahí, pero tenían que vivir. De ahí surge la idea del Cabaret Voltaire. Era un sitio minúsculo, con capacidad para apenas treinta o cuarenta personas, una habitación dentro de un restaurante típico llamado “La Lechería Holandesa”.

¿Quiénes eran los habituales del Cabaret Voltaire?

En general, la gente que iba eran estudiantes y gente que pululaba por el Zurich de la época, espías, escritores o pintores. La casualidad hizo que coincidieran una serie de artistas y creadores que después fueron muy importantes en la cultura europea como Tristán Tzara, que entonces era un joven rumano que estudiaba en Zurich y que formó parte de las actividades del Cabaret Voltaire.

Aunque como ocurre con todas las vanguardias, pasó desapercibido para la gente de Zurich. No es hasta la exposición de 1959 en torno al Dadá cuando se recupera el Cabaret Voltaire. Durante más de cuarenta años no se habló de él. Esa es una de las razones por las que el Cabaret Voltaire se asocia al Dadá y no es cierto. Al principio era un cabaret expresionista porque los artistas y poetas que participan son expresionistas. Será en mayo cuando aparece el término Dadá, antes era un cabaret literario y nada más. El propio Hugo Ball pasa de una poesía expresionista a una fonética.

Es curiosa la variedad de artistas que participan en el catálogo que editaron.

Eso llama mucho la atención. Es un catálogo en el que aparecen Picasso, Modigliani, Kandinsky, Marinetti,.. El Dadá no estaba definido en el cabaret Voltaire. La primera velada dedicada exclusivamente al Dadá se celebrará cuando ya se haya cerrado el cabaret.

Llama mucho la atención la crónica del Cabaret Voltaire que el periodista español Julio Álvarez del Vayo publicó en su obra La senda roja.

No hay muchas crónicas periodísticas pero sí unas cuantas muy interesantes. Julio Álvarez del Vayo es uno de los que estuvieron allí y cuenta lo que ve. Era un periodista muy famoso en la España de la época y colaboraba con periódicos importantes. Era un asiduo del Cabaret Voltaire y se dice que fue amante de Emmy Hennings. Posteriormente llegó a ser ministro en la república por el Partido Socialista y acabó siendo uno de los líderes del FRAP, de tendencia maoísta. Un personaje de novela.

Ese texto sobre el Cabaret Voltaire termina con un enigmático “Nadie prestaba, sin embargo, atención a otro revoluzzer de más calibre que vivía en Spielgasse, en un cuartucho de estudiante, alejado de cafés, entre su casa y la biblioteca.”

Curiosamente Lenin vivía una calle más abajo, hay incluso una novela del francés Dominique Noguez que narra una hipotética visita del Lenin al Cabaret Voltaire, pero eso nunca ocurrió. Es ficción.

Esa novela ha llevado a confusiones, como la de Juan Manuel de Prada que en el ABC Cultural publicó un artículo titulado “Lenin y Dadá” y da por hecho que Lenin estuvo allí. Es falso totalmente, fuera del Cabaret Voltaire nadie sabía lo que estaba ocurriendo allí.

Traducir al castellano este tipo de textos y de poesía experimental no debe ser fácil.

Yo trabajo con uno de los mejores traductores que hay en España. Se llama José Luis Reina Palazón y está considerado uno de los maestros de la traducción. Tiene dos premios nacionales de traducción, uno por la obra de Paul Celán y otro por el conjunto de su obra.

¿Cuanto hubiera pagado José Antonio Sarmiento por haber asistido a una de estas veladas de Zurich?

Se levanta pensativo. Sus alumnos ya han comenzado a entrar al estudio de radio. Guarda los afiches y revistas antiguas que ha ido desplegando sobre la mesa a lo largo de la entrevista y con una medio sonrisa se despide con un “a mi me hubiese encantado haber asistido”.

Texto de Josean Montero, a partir de una entrevista de Josean Montero y Nereida Dusten, fotografía de Jesús Casado.

El contenido de este artículo está realizado para Makinguclm y publicado bajo licencia de Creative Commons CC BY-NC-ND 2.5 ES. (Reconocimiento – No Comercial – Sin Obra Derivada 2.5 España)

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Jaime López Molina nos habla de su exposición “Hambre, miseria y orden”

Jaime López Molina nos habla de su exposición “Hambre, miseria y orden”

 

Jaime López Molina es el autor de Hambre, miseria y orden un proyecto en el que se manifiesta un ejercicio dicotómico que confronta un estado social, económico y psicológico de una España con un pasado reciente, con carácter vetusto y rancio, en comparación con los elementos más prosaicos de una sociedad postmoderna y frivolizado en un escenario de pobreza absoluta. Esa España de blanco y negro que ha sufrido un estado de metamorfosis que ha ido desembocando en unos escenarios de absoluta banalidad, que, por medio de la intervención artística, proyecta estados superfluos dentro de una sociedad de muchos recuerdos y poca memoria.

En la inauguración de la exposición ubicada en la Sala Acua de la capital, López Molina quiso darnos más detalles acerca de este trabajo que ya ha pasado por varias salas de nuestro país.

¿Cómo surge este trabajo?

El proyecto surge a partir de encontrarme con el libro “Imágenes insólitas de una dictadura” y vi que funcionaría muy bien descontextualizar temporalmente las fotografías que aparecen para generar un espacio de controversia distinto. Hace apología a la falta de memoria porque confronto la España del pasado -aunque relativamente reciente- con lo contemporáneo, con esa idea de incluir elementos del capitalismo.

¿En este caso, funcionalmente cómo se empieza a operar?

Yo siempre reflejé en el proyecto de dónde sacaba las fotografías. No es fácil porque el editor o responsable de las fotografías ya falleció. En este sentido me apropio, digamos, de las fotografías. Rescaté las imágenes, pero sí que hago ilusión a la fuente. También puedes verlo desde el punto de apropiacionismo, que a lo largo del siglo XX se ha dado mucho en el arte.

¿Podríamos decir que con esta exposición vemos una parte que hemos ganado y otra que hemos perdido?

Yo entiendo que hemos perdido una parte moral en el trayecto de esa España que era miserable, que era paupérrima, tú lo cotejas con esta sociedad consumista y ves una clara confrontación porque vivimos una opulencia de que se carecía hace 80 años. Mis abuelos pasaron necesidades y resulta chocante que, en un plazo de tiempo relativamente corto, hemos pasado de un país medieval a una sociedad contemporánea muy ubérrima dentro de una artificiosidad que hay, porque parece que todo se sustenta sin ningún valor.

¿Cuál ha sido tu trayectoria profesional hasta llegar a esta exposición?

La gente que sigue un poco lo que hago sabrá que me ciño un poco más a contar lo que pasa, no puedo tener un comportamiento de un artista romántico del siglo XIX cuando vivimos una época convulsa: recortes sociales, la gente no tiene trabajo, problemas de sexismo en empresas, sociedad, machismo, homofobia, etc. con lo cual, entiendo que un artista tiene la obligación moral de hablar de lo que le pasa. Vengo trabajando entonces con la idea de crítica social y mis últimos proyectos giran en torno a esto, estoy comprometido con esta causa. Tengo otro proyecto que es como la segunda parte de este, es muy parecido tanto plástica como conceptualmente.

Yo empecé estudiando Bellas Artes, siempre me gustaron los ámbitos expositivos, pero nunca llegué a pensar que podría implicarme de una forma algo más notoria. A día de hoy soy diseñador gráfico, aunque está la cosa complicada y luego tengo esta faceta más artística.

Digamos que es un camino híbrido entre el arte y el diseño.

Lo llevo de una forma paralela porque digamos que se retroalimenta una cosa con la otra. No me beneficio sinceramente de esto porque tengo más el afán expositivo, tener contactos, dar a conocer mi trabajo, etc. En ese sentido, mi trayectoria artísticamente hablando es de más de una década en varios puntos de España y del extranjero, con lo cual tengo trayectoria expositiva.

¿Dónde se pueden encontrar tus trabajos?

Tengo el blog personal que es donde vuelco el trabajo artístico y profesional. http://jaimelopezmolina.blogspot.com.es  Me resulta cómodo, rápido y práctico. Practico esta faceta porque me reporta satisfacción más que otra cosa. Estuve en Murcia, Barcelona, Toledo, Valencia, el sur… con esta exposición y supone más gastos que beneficios, por desplazamiento, mover la obra, etc. pero tienes la satisfacción de enseñar el trabajo a tu gente, porque las redes sociales las utilizo hasta cierto punto, me autolimito.

Como licenciado en Bellas Artes, ¿saliste más preparado para dedicarte al diseño o estabas más preparado para esta faceta como artista?

Para ninguna de las dos. Entras a la Universidad con una perspectiva, sales con la contraria y en el mercado laboral te encuentras de bruces con la realidad. Yo he ido aprendiendo, reciclándome, me he tenido que autoabastecer culturalmente, conceptualmente…

¿Si pudieras volver qué le pedirías a la Facultad que cambiara o incluyera?

Me pediría más cosas a mí mismo: ser más insistente con los profesores, aprovechar más el tiempo… Por supuesto tengo buenos recuerdos de mis profesores que eran grandes profesionales en el ámbito artístico y grandes docentes. Yo cuando salí de allí no se me pasaba por la cabeza ser artista, quiero decir que de la facultad puedes salir con muchas utopías, pero luego hay una realidad y hay que trabajar.

Texto de Laura Higueras y Josean Montero. Fotografía de Marta Cuenca Rufián para #Makinguclm

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Teresa Tomás Villarías: “Estos árboles representan una forma de vida que ya no existe”

Teresa Tomás Villarías: “Estos árboles representan una forma de vida que ya no existe”

La exposición de Teresa Tomás Villarías puede verse en la Sala ACUA de Cuenca hasta el próximo día 28 de enero de 2018. Más información en CIC UCLM

Este proyecto es un viaje por el paisaje que nos rodea, un recorrido exploratorio del territorio a través de los árboles, una expedición por el tiempo y por el espacio. El proyecto Arbolario_Olmo, es una investigación de los valores estéticos y culturales del paisaje protagonizado por los olmos.

Los árboles son testigos de los acontecimientos, en sus huellas podemos rastrear la memoria de los hechos, en su expresión reconocemos a sus guardianes, y en su aspecto valoramos la salud de su entorno. Los árboles son la esencia del paisaje, de nuestra historia y de nuestra cultura.

Este proyecto es un recorrido personal que supone transformar, mudar, reinterpretar, o cambiar, los hechos, los datos, las imágenes y las experiencias. Experimentamos la metamorfosis de las formas, de las imágenes y de las ideas, para crear un espacio propio, diferente, ameno y sugerente, un paisaje personal, un pequeño paraíso singular.

Durante la inauguración de su primera exposición individual, Tomás Villarías nos dio más detalles acerca del proceso de creación de este trabajo que lleva muchos años en su mente.

¿En qué consiste este trabajo?

Es un proyecto que se llama “Arbolario olmo”. Son piezas de grabado y de escultura que giran en torno a la idea del paisaje, del recuerdo y de la memoria que tiene como hilo conductor la madera. He ido desde las piezas más complejas del grabado hasta las más sencillas que son de madera con elementos más simples como las perforaciones.

Podríamos decir entonces que en esta exposición une la temática más que la técnica…

Sí, porque la técnica es muy variada, hay grabado, hay collage con muchos elementos como madera, con fotografías también…

¿Por qué la madera?

Porque principalmente desarrollo dos árboles, dos olmos concretamente que están muertos pero que han quedado como una especie de monumentos vivientes. Murieron por una plaga que afecta a toda España, la grafiosis, y esos árboles no se han caído, con lo cual representan una forma de vida que ya no existe, pero, sin embargo, pasas por ese paisaje y llama la atención porque esos árboles siguen ahí y se han convertido en dos estatuas vivientes. Están llenos de recovecos, de grietas y son elementos estéticos muy llamativos.

¿Los dibujos están hechos al natural o después en tu estudio?

Están hechos al natural. Hice muchos en muchos momentos diferentes, he ido a visitar esos árboles, he visto cómo van cambiando y he visto cómo se van cayendo. Al final llegará el momento en que desaparezcan, así que es una forma de que permanezcan.

¿Qué quieres transmitir con este trabajo?

Cuando estos árboles, que son de una talla enorme, estaban vivos, alrededor había un espacio increíble por lo que dejan señal de algo que está cambiando. Con lo cual, es un reflejo del paso del tiempo.

¿Cuándo un artista considera que tiene material suficiente, tema u obra para realizar una exposición de manera individual?

Este proyecto está en mi cabeza desde hace como dos años y sigo trabajando. El problema es que no sé cuándo parar. Vas haciendo unas piezas y se te van ocurriendo otras.

¿Cuál es la sensación de ver tu exposición por primera vez en una sala?

Es interesante verlo todo junto porque muchas piezas no han estado juntas y les encuentro sentido unidas. Cuando llegué a la sala supe dónde iba a ir ubicada cada una de ellas.

¿Dónde podemos encontrar más trabajo tuyo?

Pues es que soy un poco alérgica a las redes sociales. El cuaderno es una herramienta para mi mala memoria. Dibujar para mí es una forma de pensar y tener un cuaderno donde lo vas registrando todo es una buena herramienta para luego recurrir a él. Yo los guardo todos y luego los reviso. Practico un desorden ordenado.

Texto de Laura Higueras y Josean Montero. Fotografía de Marta Cuenca Rufián para #Makinguclm[incluir_entrada id=”32456″]

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Un concierto-performance para un museo portátil (transportArte)

Un concierto-performance para un museo portátil (transportArte)

El Parador de Cuenca fue testigo de la partida del museo portátil transportArte hacia tierras francesas. transportArte es el resultado del trabajo realizado por los estudiantes de la Facultad de Bellas Artes del campus de Cuenca bajo la dirección de Sylvia Molina, la coordinación general de Javier Osona y Joaquín Díaz y producido por el Grupo Fuzzy Gab .4 (http://fuzzygab.uclm.es)

Este museo portátil que viajará por el mundo como el flanêur irá tomando forma en cada uno de los destinos donde haga parada y está compuesto de una serie de “salas-cajas” interiores que conjugan ideas, contenidos y propuestas artísticas que construye un complejo sistema que pretende fomentar el debate y la creación de una manera rizomática.

El punto de partida fue el concierto-performance celebrado ayer en el que el Parador de Cuenca se convirtió en un espacio artístico de vanguardia para acoger las propuestas salidas del taller de Panspermia celebrado en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Castilla-la Mancha bajo el concepto de Propiocepción en el que han creado una composición musical colectiva “creada a partir de algunos de aquellos sonidos a las que rara vez prestamos atención pero que nos mantienen… alerta.”

A partir de ese punto de partida los estudiantes de Bellas Artes han tomado consciencia de los sonidos que creamos y que nos rodean que van más allá del lenguaje verbal para crear las piezas de arte presentadas ayer. Este concierto-performance, punto de partida de transportArte, constó de cinco movimientos y se celebró en el claustro del antiguo convento de San Pablo de Cuenca ante un gran número de asistentes que pudieron experimentar y sentir los sonidos de ArteSonía Corporal.

Los asistentes eran invitados por los estudiantes a descargar en sus teléfonos móviles algunas piezas sonoras que escucharían a través de auriculares superponiendose al desarrollo en directo del concierto-performance. En el primer movimiento de entrada los asistentes cruzaron el patio del Parador de Turismo entre un pasillo estrecho formado por los jóvenes artistas hasta alcanzar el punto opuesto del claustro donde se procedió a abrir la caja aún vacía que sirve como soporte físico al transportArte.

En el segundo movimiento denominado Propiocepción los asistentes pasearon por el antiguo atrio mientras que escuchaban la composición por sus auriculares al mismo tiempo que tomaban conciencia de los sonidos que nos rodean y a los que no prestamos atención habitualmente.

Los sonidos emergentes performances de los estudiantes y profesores del taller de Panspermia dieron forma al tercer movimiento de esta concierto-performance. Trece piezas artísticas formaron parte de esta acción. Literatura Portátil, Risoma Sonoro, Tranckinconsciente o Soledad en la Multidud fueron alguna de las piezas presentadas. A continuación, en el patio discurrió el cuarto movimiento titulado “Danza en la Niebla” en el que se combinaba la danza bajo la sábana con la intervención sonora de Julio Sanz Vázquez.

El concierto-performance finalizó con el montaje y cierre de la caja transportArte en la que los artistas participantes iban introduciendo sus obras que partirían en busca de un nuevo destino en su deambular por el mundo. Javier Osona procedió al cierre de la caja que partió con Francia como primer destino.

En palabras de la propia Sylvia Molina, transportArte se convirtió “en una parte de nosotros y sabremos donde está aunque no podamos verlo”.

Puedes encontrar más información sobre este proyecto en las webs http://fuzzygab.uclm.es y https://transportartesite.wordpress.com/.

Allí estuvo MakingUCLM y en próximas fechas encontrar un reportaje más amplio en texto, fotografía y vídeo sobre este concierto-performance en www.makinguclm.es/transportartesite.html // Dirección de Josean Montero, textos de Carlos Rodríguez Urra, fotografía de Marta Cuenca Rufián y Paula Salto, vídeo de María Bajo Picaporte y Audio de Rodolfo Munguía

Otros proyectos relacionados con la Fuzzy Gab .4 y Panspermia Sonora:

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¿Cómo tratan los medios de comunicación la violencia de género?

¿Cómo tratan los medios de comunicación la violencia de género?

El pasado 24 de noviembre, aprovechando que el día posterior se conmemoraba el Día Internacional Contra la Violencia de Género se celebraron unas jornadas en la Universidad de Castilla-La Mancha en el campus de Cuenca. Dicho evento se desarrolló en el Salón de Actos Melchor Cano de la Facultad de Trabajo Social y fue promovido y organizado por la Facultad de Periodismo.

La ponencia de Elena Casado, socióloga de la comunicación e investigadora de las relaciones de género, dio comienzo a estas jornadas bajo el título “Representaciones de la violencia de género en el espacio público. Uno de los aspectos en los que más incidió a lo largo de la misma fue en el papel de los medios de comunicación a la hora de tratar la violencia de género, siendo el más relevante y reflexivo para los alumnos de periodismo allí presentes.

“La forma en la que los medios de comunicación dan sentido a la violencia de género es escandalosa”, apuntaba Elena Casado, quien además detalló que hay tres planos que orientan nuestra acción en la violencia de género: uno configura regímenes de sensibilidad conduciendo nuestras acciones. El segundo plano, consiste visibilizar las relaciones de poder y producción social de daño, rompiendo con la pedagogía de la crueldad. Y, el último, apela hacia el compromiso cívico y hacia la ética profesional.

Por lo tanto, los medios de comunicación deberían tener en cuenta estos tres planos de orientación a la hora de realizar contenidos o piezas sobre violencia de género. “Después de ver lo de la Manada una chica con violencia de género ahora no se sentirá animada a denunciar”, lamentaba Elena.

En relación con lo expuesto anteriormente, según datos del Ministerio de Sanidad, Servicios Sociales e Igualdad se puede vislumbrar que cada vez son menos las denuncias por violencia de género.

Año Número de denuncias por violencia de género
2017 83.198
2016 143.535
2015 129.193
2014 126.742
2013 124.893
2012 128.477
2011 134.002
2010 134.105
2009 135.539

Fuente: Portal estadístico. Delegación del Gobierno para la violencia de género. Url: http://estadisticasviolenciagenero.msssi.gob.es/

Esto, no quiere decir que no haya violencia de género, sino que las personas que la sufren no denuncian por diversas causas, entre las que destaca el miedo a las represalias, que se sitúa en un 42,5%. Asimismo, resulta relevante que el siguiente motivo por el cual las víctimas no denuncian sea por presión familiar.

Fuente: Ministerio de Sanidad Servicios Sociales e Igualdad. Informe sobre la Inhibición a Denunciar de las Víctimas de Violencia de Género.

Este último dato podría interpretarse de diversas formas, pero no cabe duda de que hace falta más sensibilización con este problema social que cada día afecta a un mayor número de personas. Y, no sólo con este problema, sino también con las víctimas. En algunos de los ejemplos reales que se detallan en el informe sobre la inhibición a denunciar de las víctimas de violencia de género se ha podido constatar que la violencia de género psicológica, al no dejar heridas visibles, es más difícil de valorar y las personas que lo ven, pero no lo sufren tienden a minimizarlos.

En relación con lo anterior, hay campañas “de sensibilización” que dicen: “Si tú no hablas nadie puede hacerlo por ti”. Tal y como citó la socióloga Elena Casado esto viene a decir: “Mi posición de víctima depende de lo que yo haga”. Por tanto, una vez más la víctima vuelve a verse culpabilizada de una forma u otra.

Algo estamos haciendo mal. Son los medios de comunicación los que se encargan de informar de estos y otros asuntos, quienes suministran las ideas y creencias que están determinando las conductas de las personas. De tal manera que también tienen un papel formador. Es por ello que hay que pensar cómo se debería informar. Es preciso señalar, que hoy, día 28 de diciembre de 2017, los informativos han abierto diciendo que han muerto dos mujeres más víctimas de violencia de género. Al dar cuenta de estos fallecimientos el periodismo se ha limitado a dar la noticia.

En una entrevista a Elena Casado sobre este tipo de cuestiones afirmó que los medios de comunicación deben contextualizar con los datos de la frecuencia de estos delitos para saber que no es una cosa de unos individuos, sino un problema social serio. Además, considera que debe verse de forma clara lo que está pasando, que no es una cuestión parcial, sino muy normal en términos de frecuencia.

En la misma línea, esta investigadora de relaciones de género afirmó que expresiones como <<otra víctima más>> no ayudan, ya que parece que sólo eres víctima si estás muerta, invisibilizando así muchas situaciones de abundante miedo. Otra de las pautas que Elena Casado considera que debe seguir el periodismo es apostar por otro tipo de parcialidad, ya que hoy en día el periodismo toma parte. Así como no hacer espectáculo, aportar datos, contextualizar, decir por qué pasa, qué tiene que ver un caso con otro y, sobretodo, los medios de comunicación tienen que ser responsables y pensar de qué forma quieren decantarse en este tipo de asuntos.

El periodismo no está informando como es debido de estas cuestiones, como ya se ha adelantado, pero yendo al ámbito legal, parece que la legislación existente tampoco parece paliar este problema. En el año 2004 se creó la Ley Orgánica de Medidas de Protección Integral contra la Violencia de Género y parece que sí tuvo sus efectos, ya que en 2005 hubo 15 mujeres víctimas mortales menos que en el año anterior. En contraposición, en el año 2007 se aprobó la Ley Orgánica para la Igualdad Efectiva de Mujeres y Hombres, y en el año 2008 el número de defunciones aumentó.

De igual modo, en el año 2009 entró en vigor la ley reguladora del derecho de asilo y de la protección subsidiaria y en 2010 hubo 73 fallecimientos, el mayor número de víctimas mortales femeninas desde 2003 hasta el día de hoy. Por lo tanto, la legislación tampoco puede paliar todos los asuntos polémicos de la sociedad. No es la solución a todos los males. En la cuestión humana es mucho más difícil determinar cómo se podrían disminuir estas situaciones, ya que los seres humanos son por definición seres complejos.

En consecuencia, no se tiene la forma de poner fin a todo esto y está claro que no es un problema que vaya a erradicarse totalmente, pero sí que debemos seguir pensando más formas de sensibilizar y de educar

Para concluir, Elena Casado en su ponencia en la Universidad de Castilla-La Mancha reflexionaba: “¿Dónde van esos dolores que no encuentran dónde ir?”. Comprobando todos estos datos, seguramente estén yendo a parar hacia el interior, hacia las denominadas heridas del alma, que se reflejan en el cuerpo y que pocas veces acaben exteriorizándose. Y, es que, hay dolores del alma tan profundos que se ahogan en silencio.

 

Imagen destacada: Violence – the headlines by YvieProductions